Aquí está de nuevo, fiel a su cita diaria, el programa de radio favorito de toda la familia en una nueva edición con un buen puñado de canciones que no suenan en ninguna otra emisora. Y, oiga, deberían hacerlo.
The Sails, La Familia, Dylan LeBlanc, Magic Theatre, Aaron Thomas, Señor Mostaza, Phosphorescent, Arcade Fire, Franz Ferdinand, Foxy Shazam, Kula Shaker, Señor Chinarro, Edward O'Connell, Ray LaMontagne, The Mummers, Beady Eye, Copiloto y Felt.
Y por fin arriba I’ll Never Get Out of This World Alive, el disco que acompaña a, y comparte título con, su primera novela. Producido por T-Bone Burnett, I’ll Never Get Out of This World Alive es también el nombre de la última canción que grabó Hank Williams, el padrino de la música country. Un álbum que se aproxima en sonoridad a otras cuchipandas del mismo Burnett para Elvis Costello. Estoy hablando de sus trabajos más enraizados en la americana: King of America y el reciente National Ransom. De hecho, Steve Earle no se introduce en absoluto en territorio virgen con este disco. Todo lo que suena en I’ll Never Get Out of This World Alive lo había ya tanteado en Train a Comin’, su álbum acústico de desintoxicación y regreso a los orígenes. También había probado los sabores más rurales en The Mountain al lado de la banda de Del McCoury, y había ido salpicando su obra desde entonces de los aromas irlandeses que aquí vuelven a aflorar.
Primera edición del programa de radio post-vacaciones de Semana Santa. Día de despedida a todo un listado de canciones para ir dejando paso a las novedades que llegan pisando fuerte.
Rockpile, Band of Horses, Findlay Brown, Señor Mostaza, Teddy Thompson, Damien Lott, Jackdaw4, La Habitación Roja, Manic Street Preachers, José Ignacio Lapido, Beady Eye, La Familia, Lori Meyers, Tachenko, Maga, El Inquieto Roque, The Mummers, Fanfarlo, The New Pornographers y Edward Sharpe & The Magnetic Zeros.
Tomorrow Never Knows, Like Dreamers Do, Baby It’s You, Do You Want to Know a Secret, The One After 909, Things We Said Today, I’ve Just Seen a Face, Norwegian Wood, In My Life, Rain, Taxman, And Your Bird Can Sing, Strawberry Fields Forever, Penny Lane, A Day in the Life, I Am the Walrus, Across the Universe, Dear Prudence, Helter Skelter, Happiness Is a Warm Gun, I’ve Got a Feeling, Golden Slumbers, Carry that Weight, The End.
Calificación: 2
Love, Foxy Shazam, The Coral, Kula Shaker, The White Stripes, Robert Plant, La Habitación Roja, Señor Chinarro, Edward O'Connell, Ray LaMontagne, Noah & The Whale, The Mummers, The Gaslight Anthem, Tachenko, Dylan LeBlanc y La Familia.
A pesar de las apariencias, Código Fuente tiene mucho más en común con Moon, la anterior película del hijo de David Bowie, que con Atrapado en el Tiempo. Poco le importa jugar con las posibilidades de un protagonista viviendo un eterno día de la marmota. Lo que a Jones le interesa es mostrar una América obsesionada con el terrorismo y presentar de nuevo a un individuo manejado por un poder superior que hace de él un peón en el juego. Como thriller, Código Fuente es aceptable, aunque el final sea un tanto relamido. Duncan Jones sigue sin hacer una película redonda, sin embargo la valentía que subyace hasta ahora en su filmografía merece un aplauso.
En un bosque a las afueras de Tokio se da el mayor índice de suicidios del mundo. El Torres no se lo saca de la manga, es un hecho real, oiga. Los cuentos sobre las almas errantes vagando por él abundan, claro. Un americano residente en Japón rompe con una relación de dependencia excesiva. La chica se suicida y su fantasma irá eliminando a todos aquellos alrededor de su ex-novio. Menos mal que el hombre se encontrará con la única persona que lo podría creer y ayudar, una guarda forestal con un pasado oscuro capaz de ver los espíritus de los suicidas. Típico, sí, pero excelentemente bien contado, con un juicioso uso de las acciones paralelas y con un dibujo a cargo de Hernández, como siempre, demoledor, totalmente original y sin ningún tipo de referente excepto, quizá, el de la técnica del grabado.
Rockpile, The Ramones, Alex Turner, Robert Plant, Ray LaMontagne, The Gaslight Anthem, Edward O'Connell, Matt Costa, R.E.M., The Decemberists, Drive-By Truckers, The Mummers, La Habitación Roja, Tachenko, Noah & The Whale, Señor Chinarro y Foxy Shazam.
Calificación: 3
Rockpile, Teddy Thompson, Iron & Wine, La Habitación Roja, John Grant, Tachenko, Damien Lott, Ron Sexsmith, Cherry Ghost, José Ignacio Lapido, Manic Street Preachers, Gregory & The Hawk, La Famiia, The Sails, Noah & The Whale, Ryan Adams, Aaron Thomas y Señor Chinarro.
... y además...
Calificación: 3
A vueltas con el cajón de sastre conocido como Novela Gráfica, erróneamente se ha atribuido a Will Eisner, uno de los maestros del género, la invención de dicha etiqueta. Lo que no se le puede discutir al creador de The Spirit es el haber popularizado un término que tan buenos beneficios está dando a las editoriales de tebeos de toda la vida. Norma se está encargando de publicar las obras completas de Eisner en España, y acaba de sacar en un bonito tomo en tapa dura Vida en Otro Planeta, uno de sus trabajos fundamentales más satisfactorios y divertidos. Desde que fuera impreso por entregas en la revista Creepy de Josep Toutain, había permanecido inédito en nuestro país durante un cuarto de siglo. Es todo un gustazo tener este tomo entre las manos ahora para poder volver a leerlo de un tirón.
Primero, lo que va primero. Estamos en abril y ya me aventuro a decir que a estas alturas del año va a ser muy difícil que aparezca una obra que sea capaz de arrebatarle a El Héroe de David Rubín el título de mejor comic de 2011. El artista gallego se enfrenta a su obra más ambiciosa. Una novela gráfica (ups!) en dos volúmenes, el primero de los cuales acaba de aparecer, en la que a través del relato de Los Doce Trabajos de Hércules homenajea a Jack Kirby y a los comics de la DC mientras reflexiona sobre la figura superheroica. El héroe como símbolo y ejemplo. Otra vuelta de tuerca, excelentemente narrada, al viejo axioma de que "Un gran poder conlleva una gran responsabilidad". Pero también una mirada sobre el peso a veces excesivo de esa responsabilidad, y sobre el temor a que ese poder se descontrole. 
De los primeros días de la primavera a la última noche en la tierra. De un título radiante con un sonido tristón, a una cabecera ominosa con músicas burbujeantes. Noah & The Whale han cambiado para su nuevo disco, Last Night on Earth, las orquestaciones por la electrónica. El resultado pierde en intensidad, pero gana en accesibilidad y no se mueve un ápice de la emoción. Tal vez la voz de Charlie Fink, siempre incierta, se manifieste incluso menos densa, pues estas son canciones más alegres que las de su anterior The First Days of Spring y hasta nos llevan a unos Blue Nile que se hubieran barrido de encima el letargo. El movido inicio con Life Is Life es inesperado, Tonigth's the Kind of Night y Old Joy tienen coros negroides y un entusiasmo cercano al de Bruce Springsteen, el boss de Nueva Jersey vuelve a asomar en Waiting for My Chance to Come, y el single L.I.F.E.G.O.E.S.O.N. hasta podría ser radiable. Aunque no se sacudan por completo la melancolía, todo en el nuevo optimismo encontrado en Noah & the Whale hacen de Last Night on Earth un disco disfrutable y divertido que se deja fluir agradablemente de fondo y que llega a llamar la atención en un buen número de momentos, pero que no contiene ninguno estremecedor y que definitivamente está lejos de la intensa experiencia de trabajos anteriores. 
Calificación: 1 
Ya venía apuntando maneras Señor Chinarro con sus anteriores obras, pero Presidente presenta la voz en primer plano por primera vez para que se escuche a Luque disparar contra todo lo que se mueva, ya sea con descaro, mala baba, o directamente recurriendo al insulto facilón irritante. Señor Chinarro Presidente resulta un disco divertido y en muchos momentos saltarín, con bastantes cimas y ningún desliz, de guitarras limpias, arreglos puros y las ya habituales letras costumbristas. Y es que Luque sabe construir números ligeros al lado de otros mucho más densos, y explorar tanto el lenguaje del pop-rock tradicional como el de la música más popular, casi-casi de verbena solidaria, reivindicativa, libertaria y de calimocho. ¿Me he dejado algún tópico? 
Eso de los colectivos de músicos, mola. Una serie de artistas que se alían al margen de sus formaciones habituales para dar lugar a nuevas músicas tiene algo de necesidad imperiosa de creación que le da un toque atractivo. También puede tener un lado caprichoso que sólo dé lugar a experimentos vacuos muy divertidos para los involucrados, pero un latazo para los que los escuchamos desde fuera. A los músicos, y más los que se mueven en pequeños círculos cerrados que sólo se interrelacionan entre sí, les van estos mezclotes endogámicos. Siempre ha sido así y a veces las consecuencias, véase a The New Pornographers, son de lo más resultonas. Algunos componentes de varias bandas gallegas (Trem Fantasma, Igloo, The Blows, Maryland y Circular) han unido fuerzas para dar lugar a La Familia y foguearse con un disco de debut, Esto Es Normal, que entra en el territorio más clásico de la formación habitual del pop-rock (guitarra, bajo, batería y teclados). Ni crudos ni desnudos, La Familia crean temas muy aprovechables, muy bien ejecutados, con oficio y dignidad. Sin embargo tampoco hacen nada nuevo. Lo que se escucha en Esto Es Normal ya ha asomado previamente en la discografía de Wilco, la de los sevillanos Maga, o en el primer disco de Radiohead, pero en algunos momentos las canciones son impepinables. Polo Norte, Solución y, sobre todo, Hoy Me Siento Cowboy se meten dentro y acompañan durante mucho tiempo. Sería una pena que pasasen desapercibidos porque La Familia entrega en Esto Es Normal un puñado de canciones de primera. 
Serendipia es la palabra. Casualidades felices, descubrimientos maravillosos por puro azar. O los caminos del Señor son inescrutables. Me llega cuando menos me lo esperaba, por un medio que no me esperaba, la última obra publicada en España del japonés Jiro Taniguchi. Y me cae encima en el momento adecuado. Todos hemos padecido alguna vez una serie de catastróficas desdichas minúsculas que por acumulación acaban dejándonos para el arrastre al final del día. Son los momentos en los que uno necesita un baño caliente, un colacao humeante, el abrazo de mamá, quedarse dormido en el sofá mientras lee. Todo eso y mucho más es Los Años Dulces, una adaptación en dos tomos de El Cielo Es Azul, La Tierra Blanca, una novela de la escritora también nipona Hiromi Kawakami. El primero de esos dos volúmenes acaba de plantarse en las tiendas de la mano de Ponent Mon en una edición exquisita. Al deleite de tener este objeto en la mano se añade la suave alegría que inunda el alma cuando uno se adentra en la historia que pone en imágenes Taniguchi. Su delicado dibujo, de fondos detalladísimos, cuenta con ritmo reposado la relación de amistad, y tal vez algo más, entre un maduro profesor y su ya casi cuarentona alumna cuando se reencuentran muchos años después. Es un relato de sugerencias que se regodea en cada instante, en cada pequeño placer cotidiano. No sólo ya en el texto, sino en lo que implica cada gesto, cada mirada perdida o que se cruza, cada sonrisa contenida. En la fina expresividad lírica sin estridencias, en suma, de cada dibujo. En Los Años Dulces no pasa nada y a la vez sucede la vida entera. Saboreamos la comida, sentimos el sol sobre la piel, la hierba bajo nuestros pies. Nos sumergimos en deliciosos paisajes en los que, como los mismos personajes, tenemos momentos epifánicos, revelaciones por las que al final nos embarga una inmensa sensación de paz. Sí, este librito llegó justo cuando más lo necesitaba. Los lectores que, como yo, por desconocimiento y/o por prejuicios se pongan en prevención ante el manga, pero que estén dispuestos a adentrarse en una obra sensible y a la vez de profunda carga psicológica, calmada y al mismo tiempo surcada de reflexiones, con Los Años Dulces pueden encontrar su puerta de entrada a la obra de un artista con mayúsculas, Jiro Taniguchi, cuyas páginas dejan con hambre de más, de mucho más, de cualquier cosa que haya hecho. 
Calificación: 4
La editorial La Cúpula está poniendo otra vez en circulación poco a poco las obras completas de uno de los pesos pesados de su catálogo. Robert Crumb es una de las leyendas vivas del noveno arte, un artista que se curtió en los circuitos underground de los años sesenta del pasado siglo con un estilo minucioso, psicodélico y tremendamente expresivo. Un verdadero original que ha creado escuela y cuya sombra todavía pesa sobre tantos artistas hoy en día. Como un Frank Zappa del comic, Crumb es un genio inclasificable, demasiado cínico para los ingenuos niños de las flores, y demasiado libertario para los editores más establecidos, la medida de su talento la da el que haya sido un artista incómodo allá donde se posicionase. 
La colección completa de las Obras Completas de Robert Crumb que publica La Cúpula consta de 16 volúmenes que repasan la extensa carrera de este proteico autor, desde las descacharrantes aventuras del Gato Fritz a las reflexiones disfrazadas de fino humor de Mr. Natural, de las desmitificadoras peripecias de Mode O’Day a las obsesiones sexuales del dibujante. No es necesario recurrir a biografías externas para conocer qué ha ido pasando en la vida de Robert Crumb. El mismo artista no tiene reparos en contar su propia historia, y de paso pintar un fresco de la sociedad norteamericana del último medio siglo, con desarmante valor no exento de ironía. Esta edición revisada y remasterizada presenta, además, un formato mucho más bonito y perdurable en la forma de libro en rústica con solapas que, como objeto, supone una versión mejorada sobre ediciones anteriores. 
Si la parte del león del primer volumen estaba ocupada por una de sus obras más populares, Mis Problemas con las Mujeres, el tomo dos, recientemente aparecido, se centra en Si Yo Fuera Rey, una exhibición entre lo onírico y lo surrealista del interior de la mente del autor. Un ejercicio de autopsicoanálisis en el que no duda en reírse de sí mismo. Completan este librito otras historias autobiográficas que una vez más son la excusa para que Crumb salte de la sátira social con estilo semicaricaturesco, a profundos análisis de personajes escrutados bajo un prisma realista, pasando por mordaces relatos acerca de seres llenos de represión, frustración e ira, en el más puro estilo de Woody Allen, y que mueven tanto a la sonrisa como a la reflexión. 
Imprescindible para entender no sólo la obra de Robert Crumb, sino también la evolución del comic y su momento presente, esta edición de La Cúpula contiene lo mejor del maestro de Pennsylvania. Un artista que sigue al pie del cañón como lo prueban obras más recientes en la misma editorial. La Cara Más Dulce y, sobre todo, su monumental adaptación del Génesis, universalmente aclamada, siguen demostrando que, lejos de acomodarse, Robert Crumb sigue deleitando a los aficionados, sorprendiendo a la crítica e incordiando a los bienpensantes. 
Desde que escuché los primeros compases de I'm Only Bleeding supe que tenía que hacerme con A Headful of Stars, el tercer disco de The Sails, una one-man-band compuesta por el genio multiinstrumentista de Michael Gagliano. Entrar en el mundo de The Sails es como sumergirse de golpe en lo mejor de la Invasión Británica circa 1966. La citada I'm Only Bleeding abre fuego como si fuera un corte más (y de los mejores) de Revolver, la obra maestra de The Beatles. Pero la cosa no se queda ahí. Gagliano sabe transmutarse para cada canción sin perder ni su propia personalidad ni la impresión de entregar una obra unitaria. A Headful of Stars no es una colección de retales. Travel es un número trippy que hubieran envidiado The Stone Roses, Dogs es puro The Hollies, Yesterday & Today recupera el espíritu de The Beach Boys en la época de God Only Knows, y para In My Head son The Small Faces los llamados a escena. Lo suyo, sin embargo, no es un pastiche. Gagliano no se limita a hacer un ejercicio de nostalgia, ni a regurgitar replicada la música que se hiciera hace casi medio siglo a la manera de las bandas de garaje tan celebradas antaño por el Ruta 66. Al contrario, de una despampanante suma de influencias da lugar a una colección que ya hubieran querido para sí los mismísimos Oasis o nuestros Stay. La voz solista es potente; los coros, exquisitos; las guitarras resuenan como campanadas y hasta asoma el mellotrón con deliciosos recuerdos a Strawberry Fields Forever. Es el sonido de mediados de los sesenta llevado al siglo XXI con resultados espectaculares como sólo lo consiguieron Ocean Colour Scene con su primer disco. Con A Headful of Stars llega la cima de todo un maestro, Michael Gagliano, aka The Sails. Un disco absolutamente recomendable que no deberían perderse, se les pasará en un suspiro. 
El mundo de Panic at the Disco siempre ha sido convulso. Despreciados por la crítica como grupo para niñas con su primer álbum, taparon la boca a todo el mundo con su siguiente trabajo en 2008, Pretty Odd, una rodaja tremenda de pop psicodélico con el que de golpe alcanzaron su Sgt. Pepper's. Tres años después llega su nueva entrega y supone un nuevo giro en su carrera. Los tiempos han sido difíciles. Pretty Odd cosechó entusiastas y merecidas críticas, pero bajó en ventas. Y eso no es bueno para la cohesión interna. Dos de los cuatro componentes, el guitarrista y el bajista, decidieron dejar la banda. Los otros dos han continuado adelante como dúo entregando una obra ecléctica que va del power pop al rock modernillo sin olvidar los toquecitos de electrónica de sus comienzos. El resultado, ay, no es bueno, sobre todo después del maravilloso Pretty Odd. La nueva encarnación de Panic at the Disco suena a otra banda indie americana más con aspiraciones a sonar en la radiofórmula. La música contenida en Vices and Virtues deviene predecible, con pocas sorpresas y definitivamente monótona. Todo lo que Panic at the Disco no eran antes. 
El universo de los hermanos Hernández se va completando. Si hace poco teníamos la última entrega de Beto, Nuevas Historias del Viejo Palomar, nos llega ahora lo nuevo (en realidad no tanto) por parte de Jaime. Con la obra río de estos dos chicanos siempre me sucede lo mismo. Si leo a Gilbert, pienso que las rocambolescas andanzas de los habitantes de Palomar me interesan más. Si leo entonces a Jaime, creo que las disparatadas aventuras de sus Locas son las que más me convencen. Pero en vista de que el padre de Luba y el resto de su prole se está perdiendo últimamente por los cerros de Úbeda (o tal vez porque tengo entre mis manos ahora mismo Penny Century) estoy por decir que me es más satisfactorio el descacharrante mundo pop de Jaime Hernández. 
Calificación: 3 
Cuando se publicó ese número en Estados Unidos y acababa con Rick siendo derribado por Michonne tras haber perdido totalmente la cabeza y haber amenazado a todo el que estaba a su alrededor, tal y como hemos visto en España en el tomo número 13, Demasiado Lejos, tras el cliffhanger que dejaba la historia en suspenso hasta el mes siguiente, había un salto de una página de publicidad y ocho páginas extras en color ilustradas por varios dibujantes que continuaban el relato en clave de comedia disparatada como un bonus para los seguidores fieles. Las páginas en color retomaban a Rick despertando en el hospital como al principio de toda la peripecia y de ahí se pasaba a las prometidas correrías con extraterrestres, superhéroes que remitían a Invincible, otra de las series de Kirkman en Image, y muchas otras ocurrencias más. Lo más gracioso del asunto es que hubo un buen número de lectores que se tomaron la cosa en serio y en subsecuentes números la página de correo del lector se llenó de preguntas, ánimos y quejas sobre el giro de la historia. Siempre fieles a nuestra vocación de servicio público, aquí ofrecemos las ocho páginas que se nos han escamoteado al recopilar el último volumen de Los Muertos Vivientes recientemente aparecido. 
Haciendo click sobre las imágenes se pueden ver a un tamaño más decente. Relatamos lo que sucede para aquellos que no se defiendan lo suficiente con el inglés. Tres cuartas partes de la página 1 son exactamente iguales a las que se pueden encontrar en la página 69 de Demasiado Lejos, pero la última viñeta se ha redibujado para representar a Rick desapareciendo de la escena. En las siguientes páginas despierta en un hospital a la manera del inicio de la historia, pero dentro de una especie de nave futurista donde encuentra que le han acoplado una mano biónica y que tiene un pijama de superhéroe a su disposición. De esta guisa cae de la nave a tierra en medio de una batalla en la que los zombies están dando cuenta de Douglas y de Glenn. También se encuentra con sus compañeros que creía muertos, Axel, Tyresse y Martínez, convenientemente pijameados. Le cuentan que los extraterrestres los rescataban según morían para convertirlos en supersoldados a sus órdenes, pero que ellos se sublevaron. 
Entonces interviene Michonne con su katana convertida en un sable láser a lo jedi, quien le explica que justo cuando ella le golpeó en la cabeza, Rick desapareció. Pocos días después llegaron los extraterrestres. Resultó que toda la plaga zombie era parte de un plan maestro urdido por los aliens para conquistar La Tierra. Los invasores llegaron en busca de agua, un elemento esencial para su supervivencia, y crearon la plaga para que los zombies exterminasen a la raza humana. Los supervivientes trabajan como esclavos recolectando el agua, pero se han sublevado y luchan por reconquistar el planeta. Entonces aparece el Gobernador, colaborador de los invasores y también convenientemente reestructurado. Aplasta el cráneo de Michonne y con Lori aferrada a sus rodillas declara que la rebelión no tiene esperanzas. En la última página le plantea a Rick que su única posibilidad es rendirse o morir. El desparrame acaba con un aclaratorio “No Continuará”. Una gamberrada, en fin, más gore de lo visto en la serie oficial, para divertimento de los seguidores, en la que Kirkman demuestra su sentido del humor. Espero que la disfruten.
Parece como si Alex Turner dejase sus proyectos más personales para todas las aventuras paralelas al margen de Arctic Monkeys. El avance de lo que será el nuevo trabajo de los de Sheffield los muestra cada vez más inmersos en la tralla a lo Queens of the Stone Age. No en vano echan mano de nuevo a Josh Homme en las labores de productor. Sin embargo Submarine, la banda sonora de la película del mismo título, nos lo devuelve como el cantautor que realizó el disco de The Last Shadow Puppets, aquí desnudo de todo aquel ropaje orquestal. Melodías deliciosas con una voz más reconocible de lo que suena en su nuevo single, en algunos casos con pequeñas miniaturas, que resultan mucho más satisfactorias que lo que anda haciendo con su banda últimamente. Claro que a quien esto suscribe The Age of Understatement le pareció, como obra completa, lo más válido que ha parido este caballero. 
Calificación: 3
Qué mala suerte tiene el Thor clásico en nuestro país. Primero la ridícula Biblioteca Marvel, minúscula y en blanco y negro (y en Jack Kirby el color es, a mi entender, otro elemento narrativo definitivo), cuyos dos primeros volúmenes recogían las historietas que recopila este Marvel Gold Relatos de Asgard. Y ahora esta absurda remasterización del color. Qué falta de respeto para con un maestro como Jack Kirby, qué manera de redibujarlo, de darle volúmenes y luces donde no los había, qué forma de inventarse líneas con la paleta infográfica que tanto mal está haciendo y que ya llega a hastiar. Como si estas páginas no hubieran tenido bastante con los desmanes cometidos por el entintador Vince Colletta. 